Marmorstaty: skulpturens historia, de största skulptörerna, världens mästerverk, foton

2024 Författare: Leah Sherlock | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 05:49

Vit marmor är det mest bördiga materialet för skulpturala verk som föreställer människor. Den är så mjuk att den lämpar sig väl för skäraren, men samtidigt är den tillräckligt tät för att tillåta snida de finaste detaljerna och perfekt acceptera slipning. Marmorstatyn förmedlar bäst människokroppens känslomässiga tillstånd, sensualitet och anatomiska perfektion. Skulptörerna i det antika Grekland var de första som tog skulpturkonsten till en sådan nivå, när det började verka som att en död sten började vakna till liv och fick vackra konturer. Sedan dess har konstnärer från andra epoker konsekvent försökt förbättra tekniken för marmorskulptur för att uttrycka sina höga idéer så levande och bildligt som möjligt, för att förmedla oklanderliga former och djupet i mänskliga känslor.

Varför marmor?

Sedan urminnes tider använde egyptierna i stor utsträckning olika typer av sten för tillverkning av skulpturala former, såsom svart obsidian och bas alt, grönbrun diorit, lila porfyr, mjuk kalcitalabaster, kalksten. Sedan antiken har statyer skapats av brons och legeringar. Så varför är det så att marmor är så uppskattat av konstnärer, och varför verk från detta material verkar nästan levande?

Liksom alabaster, vars tunna plattor släpper igenom ljus bra, är marmor sammansatt av kalcit och behåller också en del ljusgenomsläpplighet. En viss sammetslen textur bildar inte kontrasterande högdagrar och skarpa djupa skuggor som är inneboende i metall, och producerar ett mjukt spel av ljus och skugga. Skulpturell marmor har en tät struktur och den ljusaste tonen, som tillsammans med mjuk polering av materialet reflekterar ljuset bra, till skillnad från färgade stenar. Alla dessa egenskaper ger intrycket av levande kött i marmorskulpturer i större utsträckning än de som skapats av annat material.

Skulpturell marmor innehåller minst mängd föroreningar, vilket påverkar inte bara den nästan vita färgen, utan även stenens enhetlighet. Det är ett plastmaterial som är lätt att bearbeta, men tillräckligt tätt och hårt för att undvika sprickor och sprickor, vilket gör att du kan räkna ut de minsta detaljerna. Det är därför marmor är särskilt föredraget av skulptörer.

Antiquity

Den antika grekiska skulpturkonsten nådde sin höjdpunkt på 500-talet f. Kr. Vid den tiden utvecklades de grundläggande teknikerna, teknikerna, matematiska beräkningarna som var nödvändiga för statyernas födelse. Ett speciellt system av proportioner har bildats som definierar idealet om den mänskliga kroppens skönhet och har blivit en klassisk kanon föralla generationer av konstnärer. Under loppet av ett sekel nådde nivån av hantverk av grekisk skulptur perfektion. Men statyerna från den perioden var mestadels gjorda av brons och trä med guld och elfenben. Marmorstatyer dekorerade främst frontoner, friser och ytterväggar av tempel, oftast i form av reliefer, basreliefer och höga reliefer, det vill säga delvis nedsänkta i bakgrundsplanet.

Från och med 300-talet f. Kr. präglas Greklands skulpturala verk av en speciell plasticitet av poser, överföring av sensualitet, dramatik och skarvning, för vars förkroppsligande mästarna började föredra marmor. De stora forntida skulptörerna upphöjde skönheten i mänskliga känslor och kroppen och skapade "levande" marmorstatyer. I de största museerna i världen beundrar människor än i dag perfektionen av snidade former och det virtuosa arbetet av konstnärer som Scopas, Praxiteles, Lysippus, mindre kända skulptörer och de vars namn historien inte har bevarat. Klassiska verk under många århundraden fungerar som en akademisk standard, som ända fram till den moderna konstens period följdes av alla generationer av skulptörer.

medeltiden

Det är otroligt hur snabbt med tillkomsten och utvecklingen av kristendomen, framgångarna från de antika konsterna och vetenskaperna förvandlades till glömska. Skulptörernas höga skicklighet reducerades till nivån för det vanliga hantverket av odugliga snidare. Redan i slutet av 1100-talet ganska grova och primitiva statyer, inte helt ristade och avskilda frånfundamenten förblev en del av stenblocket, som monterades in i templets vägg. Fristående figurer förekommer först från 1200-talet, men med uttryckslösa ansikten i inskränkta statiska poser, snarare som arkaiska idoler, förblev de bara ett arkitektoniskt tillägg. Naken natur och reflektion av sensualitet blir oacceptabelt, de klassiska principerna om skönhet och proportioner glöms bort. Vid tillverkningen av en marmorstaty fokuseras mer uppmärksamhet på vecken av kläderna, och inte på ansiktet, som fick ett fruset uttryck av likgiltighet.

Renaissance

Försök att återuppliva den förlorade kunskapen och skickligheten inom skulptur, att skapa en teoretisk bas av tekniker, började i slutet av XII-talet i Italien. I början av XIII-talet på Apenninhalvön blev Florens centrum för utvecklingen av konst och kulturellt inflytande, dit alla begåvade och skickliga hantverkare rusade. Samtidigt öppnar den första stora skulpturskolan i Pisa, där konstnärer studerar och återupptäcker lagarna för antik arkitektur och skulptur, och staden förvandlas till centrum för klassisk kultur. Statytillverkning håller på att bli en disciplin i sin egen rätt, snarare än ett mindre tillägg till arkitekturen.

1400-talet var en total period av förändring inom konsten. Konstnärer återupplivar och tar som standard proportionernas lagar och skönhetskanoner som erkändes i antiken. I brons- och marmorstatyn strävar skulptörerna återigen efter att återspegla mänskliga känslor med nobelt och sublimt, att förmedla de subtila nyanserna av känslor, att återge illusionen av rörelse och att underlätta figurernas poser. Dessa egenskaper utmärker Ghibertis, Giorgio Vasaris, Andrea Verrocchios och den största mästaren Donatellos verk.

Högrenässans

Renässansens korta skede kallas högrenässansen, den täcker de första trettio åren av 1500-talet. Denna korta period visade sig vara en explosion av kreativt geni som lämnade oöverträffade skapelser och påverkade bildandet av ytterligare trender inom konsten.

Italiensk skulptur i sin utveckling nådde sin klimax, och dess högsta punkt var verk av den största konstnären och skulptören genom tiderna - Michelangelo. Marmorstatyn, som kom ur händerna på denna begåvade mästare, kombinerar kompositionens höga komplexitet, den perfekta tekniska bearbetningen av materialet, den perfekta visningen av människokroppen, känslornas djup och sublimitet. Hans verk utstrålar en känsla av spänning, dold kraft, kolossal andlig styrka, de är fulla av ädel storhet och tragedi. Bland mästarens skulpturala verk anses "Moses", kompositionen "Kristi lamentation" ("Pieta") och en marmorstaty av David vara en stor prestation av mänskligt geni. Enligt konsthistoriker, efter Michelangelo, kunde ingen upprepa något liknande. Kraftfull, för fri och extremt individuell stil på grund av artistens enorma talang och var utom räckhåll för hans många elever, följare och imitatorer.

barock

På skedet av senrenässansen, kalladmanér, en ny stil bildas - barock. Den bygger på den absoluta klassicismens principer, men de skulpturala formerna förlorar sin tidigare enkelhet i linjer, uppriktighet och ädla idé. Karaktärernas poser får överdriven anspråk och manér, intrikata kompositioner kompliceras av ett överflöd av detaljer, och känslorna som visas är teatraliskt överdrivna. De flesta skulptörer, som jagade den yttre effekten, sökte endast visa den skicklighet att utföra och sin rika fantasi, som tog sig uttryck i det noggranna studium av talrika detaljer, pretentiöshet och hög av former.

Denna period präglas dock av extremt fin, nästan smyckesteknik och skicklighet i marmorklädning. Enastående skulptörer som Giovanni Bologna (en elev till Michelangelo), Bernini, Algardi förmedlade mästerligt intrycket av rörelse, och inte bara mycket komplex, ibland till synes instabil, komposition och poser av figurer, utan också utmärkt snidade, som glidande veck av klädnader. Deras verk är väldigt sensuella, de verkar perfekta och påverkar betraktarens djupaste känslor och fångar hans uppmärksamhet under lång tid.

Man tror att stilen höll i sig till slutet av 1700-talet och visade sig också i andra riktningar. Men på 1800-talet, när konstnärer endast återgav konstens tidigare skeden, kom ofta barockdrag till uttryck i skulpturen. Ett sådant fantastiskt exempel är marmorstatyerna med slöja av den italienske mästaren Rafael Monti, som skapade den otänkbara illusionen av en genomskinlig slöja av sten.

Slutsats

Under hela 1800-talet var marmorstatyn fortfarande under absolut inflytande av strikt klassicism. Sedan andra hälften av seklet har skulptörer letat efter nya uttrycksformer för sina idéer. Men trots realismens snabba spridning inom måleriet, när konstnärer försökte spegla livets sanna verklighet, förblev skulpturen i akademismens och romantikens grepp under lång tid.

De sista tjugo åren av århundradet präglades av en realistisk och naturalistisk trend i de franska skulptörernas arbeten Bartholome, Barrias, Carpeau, Dubois, F alter, Delaplanche, Fremier, Mercier, Garde. Men framför allt stod geniet Auguste Rodins verk, som blev den moderna konstens föregångare, ut. Hans mogna verk, som ofta orsakade skandal och kritiserades, förkroppsligade drag av realism, impressionism, romantik och symbolism. Skulpturerna "Citizens of Calais", "The Thinker" och "The Kiss" är erkända som världsmästerverk. Skulptur av Rodin är det första steget mot formerna för de kommande trenderna på 1900-talet, då användningen av marmor gradvis minskade till förmån för andra material.