Dyaghilevs ryska balett: historia, intressanta fakta, repertoar och foton

2024 Författare: Leah Sherlock | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 05:49

"Hans absolut rena dygd var hans hängivenhet för konst, som brann med helig eld", sa den ryske balettstjärnan T. Karsavina om Sergei Diaghilev.

Född vid 1800- och 1900-talets skifte lyckades Sergei Diaghilev i grunden förändra balettens koreografi, återuppliva dess orubbliga kanoner och skapa en annan kultur av kostymer och scenerier. Det var med Diaghilevs tillkomst som konceptet "Diaghilevs balett" och balettföretag dök upp i konsten.

Ryska årstider i Europa

Historien om uppkomsten av "ryska årstider" i Europa börjar 1906. Det var då Sergei Diaghilev, som förberedde en konstutställning för Paris höstsalong, bestämde sig för att hålla storskaliga evenemang för att göra den europeiska allmänheten mer bekant med rysk konst.

Först var det tanken att hålla "ryska historiskakonserter", lysande väckt till liv. Konserterna hölls 1907 och bestod av mästerverk av rysk musik från 1800- och början av 1900-talet. Och nästa säsong, 1908, visades M. Mussorgskijs opera "Boris Godunov" i Paris med Fyodor Chaliapin i huvudrollen.

Den första opera- och balettsäsongen hölls av Diaghilev 1909.

Så började triumftåget med "Russian Seasons" utomlands. Föreställningarna organiserades enligt principen om ett företag, det vill säga inte med en permanent skådespelare, utan med inbjudan av de bästa solisterna från olika ryska teatrar, de bästa artisterna att designa kostymer och kulisser för föreställningar.

Det här var en riktig uppenbarelse för teaterpubliken i Paris. Fram till första världskriget hölls säsongerna årligen med överväldigande framgång.

Dyaghilevs balett, fotoaffisch för säsongen 1911.

Ursprung: familjens passion för konsten

Födelsedatum för Sergej Diaghilev - 31 mars 1872. Födelseort: en by i Novgorod-provinsen som heter Selishchi. Den framtida maestro dök upp i familjen till en ärftlig adelsman och officer Pavel Diaghilev.

Sergeys barndom gick först i St. Petersburg, och sedan flyttade familjen till Perm, där familjen Diaghilev bodde tills deras son tog examen från Perm-gymnasiet. Det gästvänliga huset Diaghilevs i Perm var dekorerat med originalgravyrer av Raphael, Rubens och Rembrandt, kataloger över alla de ledande europeiska museerna trängdes i bokhyllorna.

Här hölls litterära och musikaliska kvällar. Sonen följde medpiano till duetten av far och styvmor. Med ett ord, inte ett hus, utan centrum för kulturlivet i provinsen.

Den kreativa och kreativa atmosfären i huset bidrog till uppkomsten av ett genuint konstbegär, en önskan att tjäna muserna i den unge Sergei Diaghilev.

Petersburg-prestationer

På 90-talet av 1800-talet återvände han till St. Petersburg, där han fördjupade sig i studier av olika vetenskaper: han gick in på konservatoriet och den juridiska fakulteten samtidigt.

En aktiv natur krävde dock fler spännande aktiviteter. I S:t Petersburg fördjupar Sergej Diaghilev sig fullständigt i huvudstadens konstnärliga liv och försummar juridik och studier under Rimsky-Korsakovs ledning.

Ungdomens aktivitet och entusiasm gjorde en god gärning, vilket gjorde att den unge mannen kunde visa enastående organisatorisk förmåga.

Att sätta ett ädelt mål - att visa den intresserade allmänheten den nya ryska konstnärliga konsten, organiserar han flera lysande utställningar av samtida och sedan okända konstnärer. I rättvisans namn bör det noteras att dessa utställningar ofta var ett tillfälle för skämt från feuilletonister och arga predikningar från konstkritiker.

Men snart, trots attackerna och förlöjligandet, och kanske tack vare de skandalösa utställningarna, började hela Petersburg prata om Diaghilev.

Med stöd av välkända beskyddare Savva Morozov och Maria Klavdievna Tenisheva blir han och konstnären Alexander Benois redaktörer för tidskriften World of Art. Tidningens motto är "Konst, ren och fri".

Detta motto för många år blir för Diaghilevoch livets principer. Tidningens artister inkluderade Ilya Repin, Lev Bakst, Isaac Levitan, Valentin Serov och andra kända ryska artister i framtiden. Framväxten av ett verkligt team av likasinnade, förenade av förlagsbranschen, bevisade återigen att Sergei Diaghilev inte är en tillfällig person inom konsten och är efterfrågad vid tiden.

Utgåvan av tidningen "World of Art" var det första steget mot framtidens stora "Russian Seasons". Eftersom det var ett projekt som strävade efter utbildningsmål och tillägnat både rysk och västerländsk kultur, som sammanförde alla moderna och samtida konstformer.

"Russian Seasons" och "Russian Ballet": vad är skillnaden

Innan vi pratar vidare om Diaghilevs ryska balett är det nödvändigt att skilja begreppet "Russian Seasons" från begreppet "Russian Ballet" i den mening som Diaghilev förstod dessa områden av rysk konst.

För Sergei Pavlovich Diaghilev, "Ryska årstider", som ett nytt fenomen inom konsten, ägde rum eller började 1906, det var av dem, som genom milstolpar, som han mätte sina aktiviteter, firade deras årsdagar, indikerade årstidernas nummer på affischer.

"Russian Seasons" inkluderade konstutställningar, konserter, opera och senare balett.

Fenomenet "Dyaghilevs ryska balett" förknippas med balettföretagande och uppkomsten av ovanliga balettföreställningar, etuder och nummer - som en del av programmen "Russian Seasons" som började 1909.

Officiellt ägde den första föreställningen av "Ryssiska baletten" rum i april 1911 i Monte Carlo, detta datum anses vara födelsedatumet för traditionen att visa balett utomlands.

In the Talent Fellowship

Triumfen för den första säsongen av Diaghilevs ryska balett 1909 var förutbestämd: många begåvade och till och med briljanta människors gemensamma arbete och ansträngningar kan inte gå till spillo.

S. Diaghilev bestämde sig för att börja förbereda sig för säsongen och bad om hjälp från dåtidens ryska balett - Matilda Kshesinskaya. Hon var nära det kejserliga hovet. Den framtida kejsaren Nicholas II, fortfarande singel vid den tiden, var kär i henne. Tack vare ballerinans insatser lovades Diaghilev en stor subvention på 25 000 rubel och möjligheten att hålla repetitioner i Eremitaget.

Målet för Diaghilev och ett team av likasinnade var inte enkelt: att skapa en kvalitativt annorlunda typ av balett, där manliga delar, kostymer och kulisser bör tilldelas en speciell roll. I ett försök att uppnå "enheten mellan konstnärlig uppfattning och framförande färdigheter" involverade Diaghilev bokstavligen alla framtida deltagare i diskussionen om produktionsmaterialet: kompositörer, konstnärer, koreografer … Alla tillsammans kom de på tomter, diskuterade karaktären av musik och dans, framtida kostymer och kulisser. Resultatet är en unik syntes av innovation och professionalism inom koreografi, måleri, musik.

Samtidigt börjar Diaghilev rekrytera en trupp, där han bjuder in de bästa balettdansarna från Mariinsky- och Bolsjojteatrarna. Svarade på inbjudan från entreprenören: Anna Pavlova, MatildaKshesinskaya, Mikhail Fokin med sin fru Vera, Ida Rubinstein, Serafima Astafyeva, Tamara Karsavina, Vatslav Nijinsky, Vera Koralli, Alexander Monakhov, Mikhail Mordkin och andra dansare.

Kostym- och scenografer: Leon Bakst, Alexander Benois, Nicholas Roerich.

"Russian Seasons" Diaghilev, baletttrupp backstage.

"säsongsbetonade" hinder

Allt gick inte smidigt när man förberedde de första balettföreställningarna för de ryska årstiderna.

Mitt under repetitionerna kom ett förbud mot att fortsätta hålla dem i Eremitaget, och bidraget stängdes också. Den sista kokpunkten var Mariinsky-teaterns vägran att tillhandahålla kostymer och kulisser.

Det fanns flera orsaker som orsakade nästan slutet på arbetet med "säsongerna". Först dog prins Vladimir Alexandrovich, Diaghilevs beskyddare. Och för det andra blev Matilda Kshesinskaya kränkt av entreprenören eftersom hon fick en mindre roll i baletten "Pavilion of Artemis" istället för de förväntade huvudrollerna.

Diaghilev var förresten stenhård i att välja de ledande skådespelarna för huvudrollerna, detta är en stor "vision" av artisten, när alla nuvarande eller tidigare meriter hos artisten i detta sammanhang visade sig vara maktlös. Det fanns en liknande historia under säsongen när "Den döende svanen" visades till musik av den då okända kompositören Saint-Saens. Till en början involverade koreografen Mikhail Fokine sin fru Vera Fokina i dansen, men Diaghilev sa att han kunde dansa svanenbara Pavlova. Som ett resultat fick världen i flera decennier en fantastiskt uttrycksfull dans framförd av Anna Pavlova, och impresariot visade sig, som alltid, ha rätt.

Dyaghilevs balett i Paris: Anna Pavlova som en sårad svan. Magområdet på ballerinakostymen är dekorerad med en enorm rubin som symboliserar blod från ett sår.

Fjädrarna på kostymen och huvudbonaden är naturliga, svanliknande.

Dyagilevs balett: kostymerna för föreställningarna var dekorerade med naturliga juveler, broderade med mönster. Olika naturmaterial användes också i dekorationen.

För att återgå till berättelsen om förberedelserna för invigningen av den ryska Diaghilev-baletten 1909, måste vi också komma ihåg det faktum att regissören för alla de kejserliga teatrarna, Teljakovskij, skapade ytterligare hinder. Faktum är att kombinationen av svårigheter som uppstod gav ett rungande misslyckande för Russian Seasons.

Men misslyckandet skedde inte: Diaghilev fick hjälp av gamla vänner och mecenater. Prins Argutinsky-Dolgorukov och grevinnan Maria (Misya) Sert hjälpte till med finansieringen genom att samla in nödvändiga pengar.

Paris applåderar: publik i extas

Diaghilevbaletten anländer till Paris i april 1909. Scenen i den berömda Châtelet-teatern hyrdes för att visa föreställningar. Vid ankomsten inleddes arbetet med att förbereda teatern för mottagandet av nya föreställningar och kulisser:

• scenen förstorades;
• uppdaterad interiör;
• lådor är ordnade i stånden.

De sista repetitionerna pågick. Tid, lust och möjlighet sammanföll. MichaelFokine introducerade sina egna idéer om koreografi i baletten, vilket motsvarade Diaghilevs idéer.

Repertoaren 1909 inkluderade fem baletter iscensatta av nybörjarkoreografen Mikhail Fokin:

• "The Pavilion of Armida" är en föreställning i en akt och tre akter; manuset och designen baserad på det skrevs av Alexander Benois, musik av Nikolai Tcherepnin; delen av Madeleine och Armida framfördes av V. Coralli, Vicomte de Beaugency av M. Mordkin; Slaven av Armida dansades av V. Nijinsky.
• "Polovtsian Dances" är balettdelen av operan "Prince Igor" till musik av Borodin, då balettfragmentet tog formen av en oberoende 15-minuters föreställning; scenografi av N. Roerich, artisterna Adolf Bolm, Sofya Fedorova 2:a, solist vid Mariinsky Theatre E. Smirnova.
• "Feast" är ett divertissement till musiken av nationella danser komponerade av ryska kompositörer - Glinkas mazurka, Mussorgskys "Gopak", Rimsky-Korsakovs marsch från "Den gyllene tuppen", Glinkas lezginka, Glazunovs chardash; "Feast" fullbordade visningen av Diaghilevs ryska balett, och dess syfte var att visa publiken hela truppen i de mest spektakulära och karaktäristiska danserna. Festen avslutades med ett stormigt utdrag ur Tjajkovskijs andra symfoni. Alla stjärnorna dansade padekatre tillsammans, det var en triumf för artisterna.

Lysande uppföljare

De tre första föreställningarna visades den 19 maj och den 2 juni 1909 ägde premiärerna av föreställningarna rum: "The Sylphs" och "Cleopatra".

Uppvisningen av baletten "La Sylphides" eller "Chopiniana" ägde rum med deltagande av TamaraKarsavina, Anna Pavlova, Alexandra Baldina, Vaslav Nijinsky till musik från verk av Chopin, arrangerad av D. Gershwin, orkestrerad av A. Glazunov, A. Lyadov, S. Taneyev, N. Cherepnin.

Dräkterna designades av Leon Bakst baserat på litografier av den italienska ballerinan Maria Taglioni, känd på 1800-talet som sylfen.

Föreställningen mottogs med entusiasm, och målningen av Serov, baserad på intrycken av föreställningen med bilden av Anna Pavlova, kommer att bli kännetecknet för Diaghilevs balett under många år.

Cleopatra

Föreställningen baserad på historien om Theophile Gauthier har genomgått en betydande modernisering. Mikhail Fokin introducerade i den nya musikaliska utgåvan, förutom Arenskys musik, verk av Glazunov, Rimsky-Korsakov, Lyadov, Cherepnin. Resultatet är ett tragiskt slut med danser som uttrycker sann passion och sorg.

Leo Bakst skapade sketcher för nya scener och kostymer. Det antika Egyptens magi, musik och dansare motiverade fullt ut publikens förväntningar med den ovanliga föreställningen.

Händelsen ägde rum på templets innergård mellan de röda statyerna av gudarna, bakgrunden var Nilens magnifika lysande vatten. Publiken fängslades av sensualiteten och uttrycksfullheten i produktionen och den ledande damen Ida Rubinstein.

På bilden: Diaghilevs ryska balett, L. Baksts målning för dansen av Kleopatras "sju slöjor".

Den berömda franske författaren och dramatikern Jean Cocteau skrev att man kort kan karakterisera Diaghilevs ryska balett så här:”Dennafirande över Paris, lysande som "Dionysos vagn".

Så det är gjort och lysande.

sysslor och stil

Det var många framgångar, upp- och nedgångar längs vägen under Diaghilevs säsonger. Men det var en levande organism i ständig utveckling. Längtan efter något nytt, sökandet efter det aldrig tidigare skådade konsten - det är resultatet av den stora impresariot.

Sergei Leonidovich Grigoriev, truppens permanenta direktör och administratör, trodde att Diaghilevs baletter också utvecklades från inflytande från koreografer.

Lista över koreografer som skapat nya stadier i utvecklingen av balettkonst:

• Kreativitetens tid i M. M. Fokins företag, som börjar 1909 och fortsätter till 1912, även med hans deltagande skapades produktioner från 1914. Mikhail Fokin lyckades förändra den klassiska koreografin, lyfta fram de manliga balettdelarna som nya dansformer och berika dansens plasticitet.
• Den andra perioden i utvecklingen av "Rysk balett" är åren för V. F. Nijinskys verk, från 1912 till 1913, 1916. Det är svårt att underskatta upplevelsen av en dansare och koreograf i att försöka skapa en ny balett full av känslor, känslor och fantastisk teknik.

Dyagilev-baletten, foto av solisten och koreografen Vaslav Nijinsky.

• Nästa steg i introduktionen av innovationer inom balettkonsten var tiden för L. F. Myasins verk i Diaghilev-truppen och täcker perioden 1915 till 1920, 1928. Myasin, som utvecklade Fokines traditioner, komplicerade dansmönstret så mycket som möjligt och introduceradebrutna linjer, pretentiöshet och sofistikerade rörelser, samtidigt som du skapar din egen unika stil.
• Det fjärde utvecklingsstadiet på utvecklingen av den ryska baletten Diaghilev var Bronislava Nijinskas kreativitetsperiod, från säsongerna 1922 - 1924 och 1926. Detta är tiden för den neoklassiska balettstilen.
• Och slutligen, det femte utvecklingsstadiet är åren av arbete med Diaghilev George Balanchine från 1924 till 1929. Åren då koreografen lyckades etablera nya former av 1900-talet, idéerna om symfonibaletter, idén om uttryckets företräde framför handlingen.

Oavsett vem som var regissören behöll Diaghilevs ryska balett friheten att söka, var en symbol för avantgardistiska och innovativa lösningar inom konsten, en föraning om tidens trender.

I årtionden kommer han att förbli en obefångad, fri och eftertraktad Firebird.

En folksaga eller en ny triumf för Diaghilevs balett i Paris

Apropå de sagomotiv som utgör många intrig av föreställningar som satts upp på scenerna i Frankrike, kan man inte annat än minnas den mest framgångsrika premiären 1910.

Det här är en produktion på temat berättelsen om Eldfågeln, idén om vilken Mikhail Fokin odlade under lång tid. Först fick Lyadov order om att skriva musik, men eftersom han inte började skriva den ens efter tre månader, bestämde sig Diaghilev för att vända sig till Stravinskij, som han ansåg vara den ryska musikens nya geni.

Kompositören, koreografen och artisten arbetade nära tillsammans i processen med att skapa baletten, hjälpa varandra, dela kreativa råd. Det var ett förbund som gav scenen en ny balett, blandad med modernistiskt måleri,folklore och avantgardemusik. Vackert landskap av Alexander Golovin förde tittaren in i en sagovärld.

Det unika var att Diaghilevs nya balett, kostymer till den var dekorerade med guld och juveler, broderade med folkliga ornament och päls.

Medverkande: T. Karsavina - Firebird, Mikhail Fokine - Ivan Tsarevich, V. Fokina - Princess, A. Bulgakov - Koschei.

Tack vare baletten "Firebird" lärde världen känna den store ryske kompositören Igor Stravinsky, som under de kommande 18 åren kommer att samarbeta med Diaghilev och skapa verkligt fantastisk musik till baletterna "Petrushka", "The Rite of Spring" och andra.

Dyagilevs balett: eldfågel, kostymdesign för baletten, konstnären L. Bakst.

Det skandalösa misslyckandet med "Paraden"

Som vilken stor artist som helst, underordnade Diaghilev allt idén om innovation, han var inte rädd för att vara "för tidig", för att gå emot strömmen.

Många balettföreställningar var ibland så avantgardistiska inom musik, koreografi eller målning att de missförstods av publiken, och deras betydelse uppskattades långt senare.

Så var det med det skandalösa misslyckandet av premiären i Paris av "The Rite of Spring" till Stravinskys musik, med den upprörande koreografin av "Faun" av Nijinsky, den första föreställningen av baletten "Parade" väntade på misslyckandet.

Baletten sattes upp 1917. I samband med föreställningen betydde ordet "parad" en inbjudan till skällande och sköna gycklare före föreställningen, inbjudandepublik i cirkusbåset. I form av annonser visade de publiken små utdrag ur föreställningen som väntar dem.

Detta är en enaktsbalett till musik av Enrique Satie, scenograf och kostymdesigner Pablo Picasso, manus skrivet av Jean Cocteau, koreograf Leonid Myasin.

På bilden: kostymer till baletten "Parade", Diaghilev med ny produktion i Paris.

Några av Picassos kubistiska kostymer tillät bara dansarna att gå runt scenen eller göra mindre rörelser.

Den parisiska allmänheten ansåg kubismen vara en tysk skapelse inom konst. Och eftersom första världskriget pågick upplevdes föreställningen som ett hån och en utmaning. Publiken ropade "Fan boshi!" och rusade in i striden till scenen. I pressen förklarades Ryska baletten nästan som förrädare mot frihetstanken.

Trots den första skandalösa föreställningen blev denna balett en övergångsmilstolpe inom 1900-talets konst, både inom musik och scenmålning. Och Satis ragtime-musik anpassades senare till ett pianosolo.

Den sista turnén och några intressanta fakta från den ryska balettens liv

Sergei Diaghilev anses med rätta vara en av grundarna av den ryska showbranschen. Han förkroppsligade inte bara tidens alla trender på scenen, utan banade också vägen för nya tekniker och stilar på andra nivåer: inom måleri, musik, scenkonst.

Hans "Russian Seasons" inspirerar fortfarande kreativa människor att hitta nya sätt att konstnärligt uttrycka tiden.

Speciala prestationer och fakta omDiaghilev ryska balett:

• Det fanns 20 "Russian Seasons" tot alt, där balett var inblandad. Även om Diaghilev från början inte planerade att inkludera balettframträdanden i konsertprogrammet.
• För iscensättningen av det åtta minuter långa balettnumret "Afternoon of a Faun" dirigerade V. Nijinsky tot alt nittio dansrepetitioner.
• S. Diaghilev var en ivrig samlare. 1929 fick han brev från A. Pushkin adresserade till N. Goncharova i sin samling. De överlämnades till honom innan de gav sig av på en rundtur i Venedig. Impresariot kom för sent till tåget och sköt upp läsningen av breven ett tag efter turnéns slut, vilket placerade samlarrariteterna i kassaskåpet. Men han återvände aldrig från Venedig.
• De sista som såg Diaghilev var Misya Sert och Coco Chanel. De kom för att besöka honom under hans sjukdomstid. De betalade också för hans begravning, eftersom Diaghilev inte hade några pengar med sig.
• Monumentet till Diaghilev i den ortodoxa delen av kyrkogården i San Michele är graverad med en fras skriven av den store impresariot några dagar före hans död: "Venedig är den ständiga inspiratören av vår försäkran."
• Igor Stravinsky och Joseph Brodsky är begravda nära S. Diaghilevs grav.