Belcanto är en teknik för virtuos sång. Vokal träning. operasång

2024 Författare: Leah Sherlock | [email protected]. Senast ändrad: 2023-12-17 05:49

Långa rader av musikaliska fraser, melodiska passager och gracer, fantastisk röstkontroll och finslipad skönhet av virtuos sång. Vid sekelskiftet 1500-1600 uppstod en sångskola i Italien, som gav världen en utövande sångteknik, som italienarna, giriga till pretentiösa termer, gav namnet bel canto (bel canto) - "vacker sång". Låt oss inte överdriva och markera denna period som början på den teatrala sångens storhetstid och startpunkten för operagenrens fortsatta utveckling.

The Birth of Opera: Florence

De första operorna som dök upp under den beskrivna tidsperioden har sin födelse till medlemmar i en liten krets av älskare av antik konst, som bildades i Florens och gick in i musikhistorien under namnet "Florence Camerata". Fans av den antika grekiska tragedin drömde om att återuppliva den här genrens forna glans och var av åsikten att skådespelarna inte talade, utan sjöng orden med recitativ, en melodisk mjuk övergång av ljud, för att återge texten.

De första verken skrivna om handlingen i den antika grekiska myten om Orfeus blev drivkraften till födelsen av en ny musikgenre- operor. Och solosångdelarna (arior) som fungerade som dess integrerade del tvingade sångarna att på allvar engagera sig i röstträning, vilket var anledningen till framväxten av konsten att vacker sång - bel canto. Detta innebar förmågan att framföra kvardröjande melodiska fragment på ett långt andetag samtidigt som man bibehåller en jämn ljudproduktion genom hela den musikaliska frasen.

neapolitansk skola

I slutet av 1600-talet bildades den napolitanska operatraditionen, som slutligen etablerade bel canto-konsten på teaterscenen. Det var både en utveckling av den florentinska idén och en förändring av den. I Neapel blev musik och sång huvudkomponenten i föreställningen, och inte poesin, som fram till dess hade fått den dominerande rollen. Denna innovation gladde publiken och väckte stor entusiasm.

Neapolitanska tonsättare förvandlade opera strukturellt. De övergav inte användningen av recitativ, som de delade in i olika typer: ackompanjerad (ackompanjerad av en orkester) och torr, innehållande information presenterad på ett vardagligt sätt till sällsynta cembaloackord för att upprätthålla musikalisk tonalitet. Vok alträning, som blev obligatorisk för artister, ökade populariteten för solonummer, vars form också genomgick förändringar. Typiska arior dök upp där karaktärerna uttryckte känslor på ett generaliserat sätt, i relation till situationen, och inte utifrån bilden eller karaktären. Sorgfulla, buffliga, vardagliga, passionerade, hämndarior - den napolitanska operans inre rymden var fylld av livligt innehåll.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Enastående kompositör och entusiasten Scarlatti gick till historien som grundaren av Neapels operaskola. Han skapade mer än 60 verk. Genren för seriös opera (opera seria), skapad av Scarlatti, berättade om livet för kända hjältar med hjälp av en mytologisk eller historisk handling. Operasången förde framförandets dramatiska linje i bakgrunden och recitativ gav plats för arior.

Det breda utbudet av sångpartier i seriös opera utökade de krav som operaröster måste uppfylla. Utövarna förbättrades i konsten att sjunga, även om detta ibland ledde till nyfikenhet - var och en av dem ville att kompositören skulle inkludera arior i operan som positivt skulle betona röstens värdighet. Resultatet blev en samling orelaterade solonummer, vilket ledde till att operaserian kallades för en "kostymkonsert".

Skönhet och hantverk

Ett annat bidrag från den napolitanska operaskolan till utvecklingen av bel canto var användningen av dekorativa (koloratur)dekorationer av den musikaliska paletten i vokalpartierna. Coloratura användes i slutet av arior och hjälpte artisterna att demonstrera för publiken graden av röstkontroll. Stora språng, triller, varierande passager, användning av sekvens (upprepning av en musikalisk fras eller melodisk vändning i olika register eller tangenter) - ökade på så sätt den uttrycksfulla palett som används av bel canto-virtuoser. Detta ledde till att graden av skicklighet hos sångaren ofta bedömdesberoende på komplexiteten i den koloratur han utför.

Italiensk musikkultur ställde höga krav. Röster från kända sångare kännetecknades av sin skönhet och klangrikedom. Sångträning hjälpte till att förbättra prestationstekniken, uppnå jämn och flytande ljud i alla områden.

Första uterum

Efterfrågan på bel canto ledde till bildandet av de första utbildningsinstitutioner som utbildade sångare. Barnhem - konservatorier - blev de första musikskolorna i medeltida Italien. Bel canto-tekniken lärdes ut i dem på basis av imitation, upprepning efter läraren. Detta förklarar den höga utbildningsnivån för den tidens sångare. De studerade trots allt med erkända mästare som Claudio Monteverdi (1567-1643) eller Francesco Cavalli (1602-1676).

Eleverna komponerades speciella övningar för röstutveckling, solfeggio, som måste upprepas, förbättra sångtekniken och utveckla andningen - färdigheter som är så nödvändiga för bel canto. Detta ledde till att professionella artister för operascenen, efter att ha börjat träna vid 7-8 års ålder, vid 17 års ålder, dök upp från konservatoriets väggar.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Med sitt utseende förutbestämde italienska bel canto utvecklingstrenden för operamusikkulturen under de kommande tre århundradena. En milstolpe i dess utveckling var den italienska kompositören G. Rossinis verk. Den rytmiska energin, briljansen och rörligheten i sångdelarna krävde av artisterna en rik klangvariation, virtuositet ochexceptionell sångskola. Till och med sångariorna och recitativen i Rossinis kompositioner krävde full dedikation.

Rossinis melodism banade väg för den klassiska bel canto, kännetecknad av fullständigheten i fraser, mild och luftig ren, fritt flödande mjuk melodi (cantilena) och sensuellt sublim glöd. Det är anmärkningsvärt att kompositören själv kände till konsten att sjunga från första hand. Som barn sjöng han i kyrkokören och i vuxen ålder ägnade han sig, förutom att komponera, entusiastiskt åt sångpedagogik och skrev till och med flera böcker i denna fråga.

Pedagogy

Italiensk operasång, som blev en symbol för den europeiska musikkulturen på 1600- och 1800-talen, dök upp tack vare arbetet från begåvade innovativa lärare som studerade sång och experimenterade med den mänskliga rösten, vilket förde dess ljud till perfektion. Teknikerna som beskrivs i deras skrifter används fortfarande för att förbereda sångare.

Inte en enda detalj undgick lärarnas uppmärksamhet. Eleverna förstod hemligheterna med fri och lätt sjungande andning. Vok alträning förutsatte en måttlig ljudvolym, korta melodiska fraser och smala intervall, vilket gjorde det möjligt att använda talandning, kännetecknad av ett snabbt och djupt andetag följt av en långsam utandning. Komplex av övningar utvecklades för att träna homogen ljudproduktion i höga och låga register. Även träning framför en spegel var en del av utbildningen för nybörjare - överdrivna ansiktsuttryck och ett spänt ansiktsuttryck förrådde krampaktigt arbeteröstenhet. Det rekommenderades att hålla sig lös, stå rakt och med hjälp av ett leende uppnå ett klart och nära ljud.

Nya sångtekniker

Komplexa sångpartier, dramaturgi och teaterföreställningar utgjorde svåra uppgifter för sångarna. Musiken speglade karaktärernas inre värld och rösten blev en integrerad del av den övergripande scenbilden. Detta manifesterades tydligt i operorna av G. Rossini och G. Verdi, vars verk markerade uppkomsten av bel canto-stilen. Den klassiska skolan ansåg det acceptabelt att använda falsett på höga toner. Dramaturgin avvisade dock detta tillvägagångssätt - i den heroiska scenen gick den manliga falsetten i estetisk dissonans med handlingens känslomässiga färgning. Den förste att övervinna denna rösttröskel var fransmannen Louis Dupre, som började använda sättet för ljudproduktion, som etablerar fysiologiska (förträngning av struphuvudet) och fonetiska (språk i den "Y-formade" positionen) mekanismer för att skydda rösten. apparat och senare kallad "täckt". Det gjorde det möjligt att bilda den övre delen av ljudområdet utan att byta till falsett.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

När man granskar vokalkonst på opera är det otänkbart att ignorera figuren och det kreativa arvet från den store italienska kompositören G. Verdi. Han förvandlade och reformerade operan, introducerade handlingskontraster och motsättningar. Han var den första av kompositörerna som tog aktiv del i utarbetandet av handlingen, scenografin och produktionen. I hans operor dominerade tesen och antitesen, känslor och kontraster rasade, förenadevardagligt och heroiskt. Detta tillvägagångssätt dikterade nya krav för sångare.

Kompositören var kritisk till koloraturen och sa att triller, grace-toner och gruppetton inte är kapabla att bli grunden för en melodi. Det finns nästan inga prydnadsdekorationer i kompositionerna, de finns bara kvar i sopranpartier och försvinner senare helt från operapartitur. De manliga delarna i klimaxen flyttades till det övre registret med det "täckta ljudet" som redan beskrivits tidigare. Utövarna av barytondelarna tvingades bygga om vokalapparatens arbete från en hög tessitura (arrangemang på hög höjd av ljud i förhållande till sångomfånget), dikterat av reflektionen av karaktärernas känslomässiga tillstånd. Detta ledde till uppkomsten av en ny term - "Verdi baryton". Verket av G. Verdi, 26 vackra operor som sattes upp på La Scala, markerade den andra födelsen av bel canto - konsten att bemästra rösten som fördes till perfektion.

Världsturné

Den lätta och graciösa sångstilen kan inte hållas inom gränserna för en stat. Det mesta av Europa föll gradvis under hans förtrollning. Vacker sång erövrade världsscenen och påverkade utvecklingen av den europeiska musikkulturen. En operariktning bildades, som fick namnet "belkanta". Stilen tänjde på gränserna för sin tillämpning och klev in i instrumental musik.

Den virtuosa melodin av F. Chopin (1810-1849) syntetiserade polsk folkpoetik och italiensk operabel canto. De drömska och milda hjältinnorna i operorna av J. Masnet (1842-1912) är fyllda med belcanth charm. Stilens inflytande visade sig vara så stort att dess inflytande på musiken blev riktigt storslaget, från klassicism till romantik.

Anslutande kulturer

Den store kompositören M. I. Glinka (1804-1857) blev grundaren av ryska klassiker. Hans orkesterförfattarskap – sublimt lyriskt och samtidigt monument alt – är fyllt av melodi, där både folkvisatraditioner och italienska ariors belkanta sofistikering syns. Den för dem säregna cantilena visade sig likna melodiösheten hos utdragna ryska sånger - sanningsenliga och uttrycksfulla. Melodins övervägande över texten, sånger inom stavelsen (sjungande accentuering av enskilda stavelser), talupprepningar som skapar melodins längd - allt detta i verk av M. I. Glinka (och andra ryska kompositörer) kombinerades förbluffande harmoniskt med den italienska operans traditioner. De kvardröjande folksångerna, enligt kritiker, förtjänade titeln "Russian bel canto".

I stjärnornas repertoar

Den lysande eran av italiensk bel canto slutade på 1920-talet. De militära och revolutionära omvälvningarna under det första kvartalet av seklet strök över den normativa essensen av det romantiska operatänkandet, det ersattes av nyklassicism och impressionism, modernism, futurism och andra indelade i riktningar. Och ändå upphörde de berömda operatrösterna aldrig att vända sig till mästerverken av italiensk klassisk sång. Konsten att "vacker sång" bemästrades briljant av A. V. Nezhdanov och F. I. Chaliapin. Den oöverträffade mästaren i denna sångriktning var L. V. Sobinov, som kallades bel cantos ambassadör i Ryssland. Den stora Maria Callas (USA) och Joan Sutherland (Australien), hedrade av kollegor med titeln "Århundradets röst", lyrisk tenor Luciano Pavarotti (Italien) och oöverträffad bas Nikolai Gyaurov (Bulgarien) - deras konst var baserad på konstnärlig och estetisk grund för italienska bel canto.

Slutsats

Nya trender inom musikkulturen har misslyckats med att överglänsa briljansen hos den klassiska italienska bel cante-operan. Bit för bit söker unga artister upp informationen som finns bevarad i anteckningarna från tidigare års mästare om korrekt andning, ljudproduktion, röstskulptur och andra subtiliteter. Detta är inte ett ledigt intresse. Den sofistikerade publiken har väckt behovet av att inte höra en modern tolkning av klassiska verk, utan att kasta sig in i det pålitliga tillfälliga rummet av oklanderlig sångkonst. Kanske är detta ett försök att reda ut mysteriet med fenomenet bel canto - hur man i en tidevarv av förbud mot kvinnliga röster och preferenser för ett högt manligt register kunde föda en sångriktning som överlevde århundraden och förvandlades till ett harmoniskt system som lade grunden för utbildning av professionella sångare i flera århundraden.